Trabajo de Grado DISEÑO DE UN ESPACIO ESCÉNICO, EFÍMERO Y LÚDICO - Jesús Parra

 Universidad Nacional Experimental de las Artes

                  UNEARTE

DISEÑO DE UN ESPACIO ESCÉNICO, EFÍMERO Y LÚDICO EN LA QUEBRADA QUINTERO.

Intervención del espacio público no convencional.

Proyecto de Trabajo Especial de Grado presentado para optar al título de Licenciado en Teatro Mención Diseño Teatral

 

Autor: Jesús F. Parra 

Tutor: Oriely Brizuela 

Resumen

 La idea de intervenir el espacio público no convencional con un Diseño de un Espacio Escénico, Efímero y Lúdico en la Quebrada Quintero se debe a que desea fortalecer la interrelación espacio-comunidad además de propiciar la humanización de los espacios públicos no convencionales a través de la propuesta de diseño para así otorgarle una resignificación espacial. El tipo de investigación para este proyecto es de tipo Mixta teniendo como propósito satisfacer una inquietud personal del investigador concerniente al diseño tanto de espacios efímeros como funcionales dado que su importancia en el medio artístico actual permitiría el crecimiento tanto laboral como de los espacios para llevar a cabo cualquiera representación escénica. Bajo una columna vertebral como lo efímero, lo escénico, lo lúdico acompañado tanto por los principios de la arquitectura efímera como los principios estéticos para el diseño de la Bauhaus fueron parte central del diseño al que se llegó. Si bien es cierto que este trabajo es una propuesta de diseño, no de realización fue necesario una vez obtenido el diseño, la elección de las medidas, materiales, estructuras y amarres que pudieran funcionar para la realización de esta propuesta, tomando en cuenta que este diseño esta realizado con materiales sostenibles; de poco impacto ambiental negativo en el ambiente. Para concluir este trabajo de investigación, éste no pretende ser una regla de diseño sino mas bien una muestra de que cualquier espacio publico no convencional funciona para la activación del eje cultural sin quebrantar en el ambiente.

 Descriptores: Espacio Público, Espacio Escénico, Arquitectura Efímera, Lúdico, Humanizar, Buen Vivir, Bauhaus.

Summary

The idea of intervening in unconventional public space with a Desing of a Scenic, Ephemeral and Playful Space in Quebrada Quintero is because wishes to strengthen the space-community interrelation in addition to promoting humanization of unconventional public space through the desing proposal to give it a spatial resignification. The kind of both ephemeral and functional spaces given that their importance in the research for this project is of a Mixed type wiht thw purpose of satisfy a personal concern of the researcher concerning the desingn by the principles of ephemeral architecture as the aesthetic principles for current artistic medium would allow the growth of both labor and spaces to carry out any stage representation. Under a spine as the ephemeral, the scenic, the playful accompanied by both it was necessary once the desing was obtained, the choice of measurements, Bauhaus desings were a central part of the desing that was reached. yes it is true that this work is a desing proposal, not a realization materials, structures and moorings that could work for the realization design but rather a sign that any public space does not of this proposal, taking into account that this design is made with sustainable materials; of little negative environmental impact on the enviroment. To conclude this research work, it is not intended to be a rule of thumb conventional works for the activation of the cultural axis without breaking in the enviroment.

Descriptors: Public Space, Scenic Space, Ephemeral Architecture, Playful, Humanize, Good Living, Bauhaus

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Contraste y armonia

 

Contraste y armonía

Como antes mencionamos, las técnicas visuales que manejan opuestos ponen en manifiesto y acentúan las distintas posibilidades del diseño.

¿Sería concebible el calor sin el frío? ¿Lo alto sin lo bajo? ¿Lo dulce sin lo amargo? ¿La luz sin la oscuridad?

El contraste dramatiza el significado mediante formulaciones opuestas. Es una poderosa herramienta de expresión.

La armonía, aunque se sitúa como contraria del contraste, tiene, al igual que el contraste, gran importancia y significación en el proceso visual, gráfico, de composición y diseño.

-          El organismo humano parece buscar la armonía, el sosiego.

-          El contraste es la contrafuerza de esta condición humana: desequilibra, sacude, atrae la atención.

A continuación, mencionaremos algunos casos de contraste: de colores, de contornos, de textura, de escala, de tonos, de fondo y figura, de positivo y negativo

Contraste de Colores: uno de los más importantes es el contraste Cálido/Frio:

-Cálidos: dominados por el rojo y el amarillo

- Fríos: dominados por el azul y el verde

    Por supuesto, mencionamos este caso, aparte del contraste tonal.

       El carácter recesivo de la gama azul – verde se ha usado para indicar distancias; en cambio, la cualidad dominante de la gama rojo – amarillo se ha empleado para expresar expansividad. Estas cualidades pueden afectar a la posición espacial, pues la temperatura del color sugiere proximidad o distancia.

       La experimentación en el campo del color es infinita, para este nivel introductorio, con el conocimiento de la ubicación relativa de los colores en el círculo (o rueda cromática) de Munsell y lo comentado sobre casos de contraste, creemos cubrir la expectativa necesaria.

Contraste de Contornos: la necesidad de nivelación, de equilibrio que subyace a todo el sistema de la percepción humana, es una acción contra la que el contraste se alza como reacción.

A la hora de atraer la atención del observador, los contornos irregulares e imprevisibles se imponen a los regulares, sencillos y perfectamente resueltos.

Contraste de texturas: las texturas disimiles intensifican el carácter único de sus compañeras, cuando se yuxtaponen. Este mismo factor de yuxtaposición de cualidades desproporcionadas y diferenciadas están presentes en el empleo de todos los elementos visuales, cuando se pretende aprovechar el valor del contraste en la definición del significado visual. La función principal de las técnicas es aguzar, mediante el efecto “dramático”, pero al mismo tiempo, pueden refinar la sensación de una formulación visual.

El contraste intensifica necesariamente las intenciones del diseñador.

Contraste de escalas: la distorsión de la escala, por ejemplo, puede impresionar al ojo mediante la manipulación forzada de las proporciones de los objetos o bien contradiciendo las expectativas que la experiencia ha creado en nosotros. La idea o mensaje subyacente al uso del contraste mediante la distorsión de escalas debería ser lógica; habría un motivo racional para la manipulación de objetos visuales conocidos.

En el caso del gráfico, la relación ente el significado de la gran bellota que aparece en  primer plano y la pequeña encina del fondo invierte visualmente la idea de la “gran encina que sale de la pequeña bellota” y, al hacerlo, articula el significado básico que se perseguía.

 Puede intensificarse aun más yuxtaponiendo distintos medios: si la bellota se representa en un tono y el árbol con líneas, o bien el árbol como silueta en negro y el fruto con líneas en blanco, etc.

Contraste de tonos: la claridad u oscuridad relativas establecen la intensidad del contraste tonal.

Rembrant utilizó este método en su técnica del claroscuro. El nombre proviene de las dos palabras italianas: “chiaro” y “scuro”. Esos son sus dos ingredientes: la Claridad y la oscuridad. En sus cuadros y aguafuertes, Rembradt descartaba los tonos medios para acentuar el tema con un Aspecto Teatral y llamativo. La increíble riqueza de los resultados es un argumento tan fuerte en favor de la comprensión y el empleo del contraste como cualquier otro que podamos encontrar en cualquier otro que podamos encontrar nivel del corpus de la obra visual.

Mencionaremos también otros contrastes de posible utilización y que tienen que ver con los antes mencionados. Es decir que pueden utilizarse conjuntamente con los anteriores. A modo de ejemplo:

Ø  Contraste Fondo - Figura: corresponde a una toma de decisión compositiva, en la cual se decide cuál será el motivo protagonista (figura) y cuál será de entorno (fondo). A veces son perfectamente reconocibles; otras, la ambigüedad entre ambos es la técnica empleada.

Ø  Contraste positivo – negativo: cuando el mismo motivo aparece repetido con valores tonales, o texturas, o colores, etc. Opuestos, estamos en presencia de una composición donde el juego positivo – negativo es el protagonista.

Para concluir con el contraste:

El contraste puede utilizarse, en el nivel básico de construcción y descodificación, con todos los elementos básicos: líneas, tono, color, dirección, contorno, movimiento y sobre todo con la proporción y escala. Todas estas fuerzas son valiosas en la ordenación del imput y el output visuales, realzando la importancia crucial del contraste para el control del significado.

Todo el mensaje visual combina los elementos en una interacción compleja. Ocurren muchas cosas a la vez y es difícil evitar la confusión y la ambigüedad. Para que el efecto final sea coherente, hay que modificar mediante el contraste lo vago y lo generalizado, llevándolo hacia un estado preciso y especifico a lo largo de un Proceso de Diseño salpicado por una serie de decisiones.

La intención del diseñador respecto a la comunicación debe disciplinar la información. El contraste es entonces, el puente entre la definición y la comprensión de las ideas visuales. Y lo es no en la acepción verbal de definición, sino en la acepción visual de crear ideas, sensaciones e imágenes más visibles y comprensibles, sobre todo en cuanto a la intensión de su mensaje.

Ideas y Conceptos

Introducción al diseño teatral - Escala y Dimensión

 La Escala

Y aquí haremos referencia inmediata al dibujo técnico, específicamente a la llamada Escala Referencial.

Todos los elementos visuales tienen capacidad para modificarse y definirse unos a otros. En otras palabras, no pueden existir lo pequeño sin lo grande y viceversa.

¿Se imagina usted en una obra de teatro una mesa de 2 metros de alto o un camión de 40 centímetros?

Si ello se presenta, seguramente algo particular se querrá decir, aunque sea un recurso para “poetizar” una situación o realidad o “reforzar dramáticamente” otra.

El factor más decisivo en el establecimiento de la escala es la medida del hombre mismo.

Existen fórmulas proporcionales sobre las que basar una escala; la más famosa es la “Sección Aurea” de los griegos. Se trata de una fórmula matemática de gran elegancia visual. Se obtiene “bisecando” (dividiendo en dos partes iguales) un cuadro usando la diagonal de una de sus mitades como radio para ampliar las dimensiones del cuadrado hasta convertirlo en “Rectángulo Áureo”. Se llega a la proporción a:b = c:a.

El método para construir la proporción se ilustra a continuación:

La sección Áurea fue usada por los griegos para diseñar la mayoría de sus objetos, desde las ánforas clásicas a las plantas y los alzados de sus templos.

Hay muchos otros sistemas de establecer escalas; la versión contemporánea mas notable es la ideada por el arquitecto Francés Le Corbusier. Su unidad modular, base de todo su sistema, es el tamaño del hombre, y sobre esta proporción establece una altura media de techo, una puerta media, una ventana media, etc. Todo resulta unificado y repetible. Aunque parezca extraño, los sistemas unificados de la producción en serie llevan incorporados estos efectos y a menudo los elementos de que se dispone para el diseño constituyen un factor limitativo al restringir soluciones creadoras. Cosa que en nuestro campo de acción casi no existe.

Aprender a relacionar el tamaño con el propósito y el significado esencial para la estructuración de los mensajes visuales, los efectos que se pueden obtener se pueden aplicar a todas las manifestaciones del espacio, por ilusorias que sean, y en el diseño teatral son de fundamental importancia.

La Dimensión

Y aquí haremos referencia inmediata al dibujo técnico, específicamente a la llamada Escala Dimensional.

La Dimensión existe en el mundo real.

En ninguna de las representaciones de la realidad, efectuadas sobre un plano, sean dibujos, pinturas, fotografías, películas o emisiones de televisión, existe un volumen real, éste sólo está implícito.

La ilusión se refuerza de muchas maneras, siendo el artificio fundamental la técnica de la perspectiva.

La dimensión real es el elemento dominante en el diseño industrial, la artesanía (utilería), la arquitectura (escenografía) y cualquier material visual relacionado con el volumen total y real.

Visualización Bidimensional

Introducción al Diseño Teatral I - El color, la textura

Curso de Introducción al Diseño Teatral

Por  Arq. Héctor Becerra

Publicado por: Instituto Universitario de Teatro, IUDET 1994

El Color

Mientras el Tono está relacionado con aspectos de nuestra supervivencia, el color tiene una afinidad más íntima con las emociones.

En realidad, el color está cargando de información y es una de las experiencias visuales más penetrantes que todos tenemos en común.

Cada color tiene numerosos significados asociativos y simbólicos. Nos ofrece, por ello, un enorme vocabulario de gran utilidad en la alfabetidad visual.

The blood of all men of all nations being red the Communist International named red its banner color,

Pope Innocent IV gave cardinals their first red hats saying a cardinal’s blood belonged to the holy mother church

The bloodcolor red is a Symbol

La sangre de todos los hombres de todas las naciones es roja y la Internacional Comunista hizo rojo el color de su bandera.

El Papa Inocencio IV dio a los cardenales sus primeros capelos rojos diciendo que la sangre de un cardenal pertenecía a la santa madre Iglesia.

El rojo, color de la sangre, es un símbolo.

El color tiene 3 dimensiones que pueden medirse y definirse, a saber:

1.      
 Matiz: es el color mismo o croma; hay tres matices primarios o elementales -dentro de los llamados colores sustractivos-:

Amarillo – Rojo – Azul

Ø  Amarillo: el más próximo a la luz y el calor

Ø  Rojo: el más emocional y activo

Ø  Azul pasivo y suave 

1.       Saturación: se refiere a la fuerza de un color respecto al gris; el color saturado es simple, casi primitivo y ha sido siempre el favorito de los artistas populares y los niños. Está compuesto de Matices Primarios (azul – rojo - amarillo) y Secundarios (violeta – naranja - verde) –ejemplo: De izquierda a derecha imagen original, saturación a 200% y saturación a 400%-

1.       Brillo: Es una dimensión acromática, va de la luz a la oscuridad, es decir, se refiere al valor de las graduaciones tonales –ejemplo: De izquierda a derecha imagen original, brillo a 20% y brillo a 40%-

 La Textura

Es el elemento visual que sirve frecuentemente  de “doble” de las cualidades de otro sentido, El Tacto (cualidades apticas).

Podemos, en realidad, apreciarla mediante el tacto o la vista, o ambos.

Pero también es posible que sólo tenga cualidades ópticas.

Cuando la textura es real, coexisten ambas.

La textura es la sensibilización de la superficie.

La textura elimina el anonimato de la superficie.

Pueden hacerse experimentos sobre la manera de hacer las texturas, utilizando cualquier medio, desde el tradicional al mecánico, de los sprays a los colores pastel, o lo que se quiera.

Podríamos hacer una primera clasificación de las texturas en orgánicas y geométricas.

A continuación una serie de ejemplos realizados por los alumnos del curso de Comunicación visual, del Carpenter center for the Vusal Arts de Cambrige, Massachussetts, en 1967.

El contorno, la dirección y el tono